dois moinhos - les deux moulins

Elogio ao clichê

2010-05-04T22:32:00.007-03:00

Os clichês há muito tempo caíram em desgraça. Qualquer obra cinematográfica que os contenha é imediatamente colocada em um limbo artístico no qual não há diálogo com a elaboração. Esses lugares-comuns que, a princípio e via de regra, empobrecem a maioria dos filmes, podem ser o trunfo de outros, se usados com criatividade.

Em “Tudo pode dar certo” (Whatever Works, 2009), a produção que marca a volta do diretor Woody Allen à Nova York, os pavorosos clichês são usados com muito bom humor e inteligência, transformando cada um deles em uma agradável e divertida cena. O diretor, ainda assim, consegue fazer algumas surpresas.

Desta vez, coube ao ator Larry David, interpretar o rabugento e muito engraçado alter-ego de Allen, Boris Yellnikoff. Em seu último filme, “Vicky, Cristina, Barcelona”; esse papel-reflexo foi encarnado por Scarlett Johansson. Entretanto, em “Tudo pode dar Certo”, a semelhança física com Bóris, seu mau-humor crônico, o seu prepotente niilismo e o fato dele se casar com uma mulher muito mais nova (Woody Allen é casado com a filha adotiva de sua ex-mulher 35 anos mais nova que ele) fazem a comparação ficar mais óbvia.

O fio condutor da narrativa se dá por meio do choque entre o pretenso gênio Bóris com o estereótipo da mulher burra (loira, bonita, jovem, sonhadora, interiorana, religiosa, simplória e limitada) Melodie, interpretada convincentemente por Evan Rachel Wood. Situações cômicas e diálogos tão ácidos e inteligentes quanto engraçados levam a história até seu final, não sem percalços e reviravoltas.

Um outro aspecto interessante, mas que pode causar alguma inquietação no início do filme, é o fato do personagem Bóris ter absoluta certeza de que sua vida está sendo observada por espectadores. Essa interação direta com a platéia, que inicialmente parece apenas um recurso narrativo para apresentar rapidamente os personagens e a história, se torna depois uma descontraída forma de fazer metalinguagem. É o filme falando do filme e o filme falando, diretamente, com a gente.

Embora alguns críticos não tenham recebido bem esse último filme do diretor, ele arranca alguns bons risos. Mérito do filme, em meio a muitas comédias que não fazem rir e esbanjam preconceitos e discriminações com minorias. Woody Allen, ao contrário, além de fazer uma ode ao clichê, coloca em contato códigos sociais ortodoxos e heterodoxos. Esse encontro é permeado de confusões e fatos inesperados, mas, acima de tudo, de muita naturalidade. Uma interessante metáfora em microcosmo do que seria interessante no geral: convivermos em harmonia com as diferenças.

Seja pela comédia, pelo diretor, pela inventividade, pela falta dela, pela proposta ou por qualquer outro motivo, “Tudo pode dar Certo” vale a pena.

Nota: 9,0

Trilogia do barulho (Ice Age 3)

2009-07-02T16:24:00.001-03:00

Às vezes fico bastante chateada com o cinema. Principalmente os Blockbusters. A trilogia “A era do gelo”, com a maioria das trilogias, vem perdendo seu prestígio. O primeiro foi bacana, diferente, engraçado. Mas já perdeu o sentido no segundo. Daí tentam me enfiar um terceiro. Paaaaara tudo!

Que história é esta de trilogia? “A era do gelo”, por exemplo, já foi Era do Gelo, Era do Degelo e Era dos Dinossauros. Isso só faz confundir a cabeça das nossas crianças quanto à questão histórica da coisa. Cá pra nós! Onde está a novidade, os novos personagens, novos cenários, novos caminhos, novas histórias. Como diria o Shrek, não há mais cebola para descascar. Ao há mais camadas para investigar nem aquele gostinho de “quero mais”.

A trilogia “Pânico” ("Sream", 1996, EUA, Wes Craven), foi inovadora. Fazer trilogia hoje é apenas cansativo. Ou alguém aí está esperando ansiosamente por “Os normais 3”? Que tal “Divã 2” e “Divã 3”?

Por que é que não fazem logo uma série de TV e acabam com essa palhaçada de arrancar dinheiro dos outros sem apresentar um produto de qualidade?

E tem outra: quando começam a enfiar histórias de amor nos desenhos animados, aí já era MESMO. Não faz o menor sentido. Será que estou ficando velha? Será que não fazem mais desenhos como antigamente? Onde foram parar as aventuras de Tom e Jerry e a sutileza do amor entre Pato Donald e Margarida e Hank e Sheilla?

Decepção!

(Ice Age: Dawn of the Dinossaurs, 2009, Carlos Saldanha)

Personagem redondo (Changeling)

2009-03-05T18:30:00.005-03:00

“Construir uma personagem é uma das dificuldades comuns entre os roteiristas e escritores que realizam suas primeiras obras de audiovisual. O ardil dramatúrgico de contar uma história através de um personagem fictício é uma habilidade que requer, além de talento criativo, domínio técnico e maestria dramática”.

Esta é o texto de apresentação do curso “La construcción de personajes para el guión” da Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antônio de Los Baños, a escola de cinema mais bem conceituada da América Latina. Depois disto, alguém aí acha fácil construir um personagem?

Lembrando das aulas de segundo grau, em que os personagens dos livros de literatura se resumiam em planos e redondos, o que diria eu de Christine Collins? É certo que se trata de um história baseada em fatos reais, mas é possível enxergar, claramente, o trabalho do roteirista, diretor e da atriz na composição desta personagem.

Pela parte da atriz: a expressão corporal, a voz, o olhar. De uma dama dos anos 20, voz mansa, responsável, honesta e delicada; passando por uma pantera feroz que tenta proteger o ninho dos predadores; até uma voz rouca e perseverante, digna dos mais profundos danos no coração e uma mulher borbulhando de esperança e coragem. Desculpem-me os que acham que a Angelina Jolie é apenas mais um rostinho bonito.

Pela parte do diretor: rédeas curtas, domínio total das atuações, dos takes, da fotografia, da trilha sonora (Eastwood também foi responsável pela música). O longa conquista já nos primeiros segundos, quando aparece a antiga logo da Universal, criando um ambiente de filme antigo. Nos primeiros momentos o público já se sente dentro da história, como se estivesse também ele no final da década de 20. A fotografia é incisiva, certeira! O filme quase não tem cor e fica cada vez mais sombrio, até que a mãe encontra esperança novamente. E mesmo assim, longe de um final feliz, o público se delicia com uma cena aparentemente banal, mas que traz a certeza de que a vida continua, melhor ou pior. E continua seu curso sem se importar com a pequena grande mudança desta mulher para a realidade da LAPD.

Pela parte do roteirista: criar uma história apaixonante e envolvente, com diálogos inteligentes e impactantes. Sim. Lembro-me bem do quanto foi necessário e extremamente emocionante quando Christine diz ao assassino: “I hope you go to hell!”. É fascinante como as palavras desta mulher afetam todos os personagens da trama.

Seguindo a tradição, Angelina escolheu um ótimo roteiro. E há uma tendência nas suas escolhas por personagens sofridas e politicamente atuantes. Vide “Beyound Borders” (Amor sem fronteiras, 2003, EUA, Martin Campbell) e A “Migthy Heart” (O preço da Coragem, 2007, EUA/Inglaterra, Michael Winterbottom). Pode ser que a fórmula se esgote.

("Changeling", 2008, EUA, Clint Eastwood)

Outra visão (The Reader)

2009-02-28T01:44:00.001-03:00

Depois de 27 anos sem escrever, perturbada com meu ganha pão, cá estou eu.

Incitada pelos amigos que já viram todos os filmes que concorreram à estatueta este ano, me atiro novamente ao vício prazeroso das salas de cinema.

Hoje me encontrei num reformado e digital Alameda, com os mesmos pirralhos, mas companhias diferentes. Fui ver um filme que fala sobre o nazismo com alemães do lado.

Kate Winslet

Não preciso dizer muita coisa além disto, mas não posso omitir o soco no estômago que levei esta noite.

A primeira sensação foi a de um personagem frio, calejado pelos tantos amores da vida. E os tantos amores se resumiram numa alemã que falava um perfeito inglês britânico, hábitos quietos e singelos, um coração desafiador.

A princípio eu não soube o que pensar desta ariana. A gentileza de ajudar um garoto que passava mal e a brutalidade de seus gestos causou estranhamento no início. Porém, mais tarde, ela se mostrou não mais do que humana, ao afirmar, sem conseguir pronunciar as palavras, que realmente amava o moleque. E aquele amor de verão, típico de besteirol americano, se mostrou uma das mais belas histórias sobre o holocausto já vista na história do cinema.

Ápices:

-Hanna aprendendo a ler: afora a sensibilidade da situação, a cena foi delicada, linda. Simplesmente adorável.

- As “leituras”: sibilando entre a frieza, a raiva e o amor profundo e escandalizado, Michael tem sua grande catarse ao gravar a leitura dos livros para Hanna. A montagem da cena e sua sensação de simultaneidade imprimem um ritmo quase enlouquecedor à trama, que tem uma narrativa quase arrastada, mas não pedante (entendam!)

- A maquiagem: e o choque que ela causa ao percebermos a distância dos mundos de Michael e Hanna 20 anos de prisão depois.

- O jovem advogado: o momento mais forte e que nos causa maior aversão às atitudes de Hanna durante o Holocausto vem com a argumentação do colega de classe de Michael que diz, em outras palavras, que não podia compreender como os alemães não sabiam o que estava se passando. E sua revolta maior era que quando os alemães souberam de tudo, eles não tinham se matado em vista das barbaridades cometidas. Um tipo de questionamento que eu sempre me fiz. E, sem encontrar resposta, sempre tive a sensação de que alemães são todos frios e absolutamente insensíveis. Opinião preconceituosa que caiu por terra quando vi, do meu lado no cinema, dois alemães se debulharem em lágrimas.

Nem tudo está perdido!

(The Reader, EUA/Alemanha, 2008, Stephen Daldry)

Ensaios (Blindness)

2008-10-14T20:10:00.005-03:00

A vida às vezes nos leva a caminhos inesperados, por isso tive um pouco de dificuldade em manter este blog. From now on, eu espero poder escrever aqui com mais freqüência.

Ontem à noite vi o tão esperado “Ensaio sobre a cegueira” (“Blindness”, 2008, Canadá/Brasil, Fernando Meirelles)! Estou embasbacada.

Nunca tive muita paciência pro Saramago (que me desculpem os mais conservadores!), por isto sempre passei longe da obra. Amanhã mesmo procurarei na biblioteca mais próxima o bendito livro. Óbvio que gostarei mais das páginas impressas (como sempre acontece com as adaptações), mas é a primeira vez que acontece o inverso: primeiro vi o filme para depois ler o livro.

Entre os tantos destaques que vêm sendo notícia na mídia “baba-ovo-do-Meirelles”, queria ressaltar um dos que mais me chamaram a atenção: a maquiagem de Julianne Moore. Sempre impecavelmente ruiva e com a pele bem tratada, ela aparece no filme com sardas e loira. Que espetáculo! Nada poderia significar mais a simplicidade e o sofrimento daquela mulher que carregou o mundo em suas costas. Já acostumada à sua estupenda atuação (sim, sou fã confessa da ruiva), não me surpreendeu que o papel principal tenha sido tão bem conduzido. Tão bem que nem precisaríamos do narrador ao final do filme dizendo que ela “sentiu cegar os olhos”.

Aliás, o narrador é desnecessário em todos os sentidos ali naquele final, a não ser pelo tom “Dogville” que saiu o comentário: “alguns temeram perder a família que ganharam” [quando ficaram cegos]. Mais serviria às imagens, talvez, uma trilha mais capciosa.

Particularmente, não gosto de cenas de violência sexual. Portanto, se eu estivesse sentada na cadeira de nome “director”, eu excluiria da montagem final. Apesar de terem sido fortes o suficiente para me deixar agoniada o resto do filme (mais um ponto pro Meirelles).

A fotografia me trouxe à memória imagens dos campos de concentração, o que contribuiu para compor a sensação de terror ao que os personagens viviam. Excelente escolha!

De 0 a 10: 9,8...

(Blindness, Brasil/Canadá, 2008, Fernando Meirelles)

Eu protesto (filmes em seqüência)

2008-07-30T16:26:00.003-03:00

Detesto filmes que tem o segundo que não chama segundo.

Por exemplo, os filmes do idiota do Harry Potter. Eu admito que as histórias sejam bacanas, que conquistou a criançada etc. etc. etc. Mas fala sério, não dava pra por colocar Harry Potter, Harry Potter 2, Harry Potter 3 e tal? Que saco! Agora eu estou mais próxima do meu sobrinho e PRECISO ver os filmes, senão não tenho nem assunto com ele. Daí eu fui à locadora pra alugar a seqüência. Quando chego em casa, aaaarghhh, qual é o primeiro? Aí tive que fuçar no IMDB pelas datas de lançamento. Francamente!

Outros exemplos: Tomb Raider, A lenda do tesouro perdido (“National Treasure”, Ben Gates), Indiana Jones...

Bom mesmo era nos tempos de Sexta-Feira 13 (“Friday the 13th”, EUA, década de 80). Uhhuul!

Carola (Novo Álbum de Ana Carolina)

2008-05-19T17:26:00.006-03:00

Apesar das críticas ferrenhas que eu tenho a respeito da Ana Carolina, estou para dizer que adorei o seu novo CD duplo, “2 Quartos” – dele só ouvi o “Quarto”, porque o “Quartinho” o e-mule ainda não me permitiu o prazer (não, eu não compro CD).

O que me chamou mais a atenção, além do escracho homossexual, foi a canção “Notícias populares”

Tudo se acaba.
Olha o noticiário!
Água se acaba.
Se acaba a prece do vigário.
E eu quero ser a mendiga suja e descabelada
Dormindo na vertical.
Entender como a vida de alguém
Se acaba antes do final.

Prefiro Lou Reed do Velvet Underground.
Gosto de Silvia Plath, S.Eliot,
Emily Dickinson, Lucinda,
Délia, Manoel de Barros ficam eternos por mim.

Esqueço a crise da Argentina
Quebrando o pau com a menina no sinal
Em castelhano, ê
Eu furo os planos, ê
Eu furo o dedo, mando vê
Examinando, lanho o braço
Aperto o passo. Não sou louca!
É...

Tomei um tiro
No vidro do meu carro
É a pobreza
Tirando o seu sarro
Foi meu dinheiro
Foi meu livro caro
Que façam bom proveito
Da grana que roubaram
Porque eu trabalho
E outro dinheiro eu vou ganhar

Tomei um táxi
O motorista, mexicano,
Veio falando sobre o onze de setembro.
Havia um homem na calçada lendo o "Código Da Vinci"
Ou lia o código da venda?

E na parada havia um peruano
Cheio de badulaques, ô
Vendendo Nike, ô
Vendendo bike, Coca Light, canivete
Aceita cheque pros breguetes.
Notícias do Iraque na Tv da lanchonete.

Notícias populares
Voam pelos ares
E amanhã, meu nêgo, ninguém sabe
Se alguém recua ou se alguém invade
Se alguém tem nome ou se alguém tem fome.
Que façam bom proveito
Do pouco que restar
Se tanta gente vive
Só com o que dá pra aproveitar.

Tudo se acaba.
Olha o noticiário!

Me deixou pensando bastante. Primeiro fiquei levemente emputecida. Me aborrece muito, no mundo do entretenimento, a maneira errada como vêem o jornalismo. Pego o exemplo do filme que me fez querer ser jornalista: “Intimo e Pessoal” (“Up Close & Personal”, EUA, 1996, Jon Avnet). Tally Atwater queria ser jornalista por todos os motivos errados e o final feliz, de certa forma, prevaleceu. Sem falar nas telenovelas brasileiras. Alguém aí se lembra de “Celebridade”( Rede Globo, 2003, Gilberto Braga)? Era ridícula aquela urubuzada toda em torno da Maria Clara Diniz e Cia. LTDA.

E depois tem a parte:

“Notícias populares
Voam pelos ares
E amanhã, meu nêgo, ninguém sabe
Se alguém recua ou se alguém invade
Se alguém tem nome ou se alguém tem fome”.

Reflete exatamente a efemeridade do nosso serviço enquanto jornalista. Jornal de ontem é fundo de gaiola. Quem é que se lembra de Ingrid Betancourt? Dos vazamentos na Baía de Guanabara (foram tantos, não é?)? Quem pagou o preço? Quem se lembra da crise Argentina? O que era mesmo o mensalão? Santa memória curta!

A quantidade de frases, aparentemente soltas, que ela coloca na música, são outro indício de que um jornalista “sabe pouco de muita coisa”. A “crítica da superficialidade” se é que posso colocar assim. O duro é admitir que muitas vezes isso é verdade. O jornalista tem mesmo que saber de tudo. Só que é humanamente impossível se aprofundar em todos os assuntos. Principalmente pelo infinito espaço que dispomos para a informação.

Uma outra coisa que me intrigou nesta música é a menção à pobreza. Outro dia, conversando com meu irmão, ele, tentando como sempre criticar a minha profissão (sim, ele é muito gentil), ele me chamou a atenção para uma coisa. Ele disse: “já observou como piada de pobre vende?!”. O exemplo usado na ocasião foi o Terça Insana, com a enquete “D.Edith Lança livro”. E é engraçado!

O que me deixa agoniada é que existe todo um sistema do ovo e da galinha envolvido nisso. As pessoas gostam de ver “Faustão” porque ele está no ar há 1000 domingos, ou ele está no ar todo domingo porque as pessoas gostam de assistir. Um sistema que é impossível reverter ou quebrar. Mas, como todo sistema, pode ser burlado.

Ou talvez eu tenha uma visão romantizada da profissão.

No más! (apelo aos jornalistas por Ingrid Betancourt)

2008-05-06T15:51:00.006-03:00

Eu não tenho muitos anos de vida, e nestes poucos, já acreditei e desacreditei em várias e inúmeras balelas. Fruto de adolescência ou de típica ingenuidade, fui capaz de passar 4 anos sem beber Coca-Cola, imaginando que o esforço de uma pessoa só fosse capaz de conter esta “financiadora da guerra”. Pfff... Surpresa: Uma pessoa sozinha não faz nada!

Uma pessoa sozinha não faz nada, um país sozinho não faz nada, um político sozinho não faz nada. Muito me dói ter que engolir o fato de Ingrid ter perdido esta luta. Me dói. Dói pensar que o mundo é governado por quem é. Que a honestidade e o caráter valem muito pouco ou nada. Que pessoas como Ingrid são punidas por querer fazer o bem.

A boa e velha máxima: o bonzinho só se f....

Há um mês e 8 dias o avião-ambulância, enviado pela França, deixou o território colombiano. O Falcon 900 ficou de prontidão em caso de uma eventual libertação de Ingrid Betancourt e levava o tratamento adequado à sua saúde, já debilitada.

A missão foi ignorada pelas Farc.

A minha esperança de vê-la solta permanece intacta. Mas o que nasceu nestes últimos dias foi a esperança de que nós, jornalistas, também podemos fazer a diferença. Não é uma utopia de estudante de comunicação, nem delírio de estudiosos: é a esperança de um futuro melhor.

Haja visto o caso Isabella Nardoni. As diversas abordagens na imprensa sobe o assassinato da menina segue pressionando a polícia e a perícia criminal para desvendar este crime.

Tentamos, obviamente, esquecer alguns erros e manipulações cometidas por alguns veículos (como nas Diretas Já!) em prol do que arrisco chamar de Bem Maior, que é o trabalho dos jornalistas. Desde o calçamento numa rua da periferia, à renúncia de um presidente. O papel do jornalismo é, e sempre deverá ser, o serviço social. Não devemos nunca esquecer para quem realmente estamos trabalhando.

Chamo a atenção aqui para uma matéria exibida no SPTV(2ª edição) do dia 13 de Dezembro de 2007. A reportagem de Monalisa Perrone falava sobre as portas giratórias em bancos e como os seguranças pareciam selecionar quem seria barrado. Sem precisar dizer no off, a jornalista (em conjunto com o cinegrafista) mostrou que apenas as mulheres negras eram barradas naquele banco. Não era preciso acusar ninguém, as imagens falavam por si. Não tenho outra palavra para descrever a matéria, senão “Magnifica!”.

É este tipo de jornalismo que a gente quer ver (ao contrário do sangue habitual de alguns tele-jornais). É este tipo de jornalismo que eu sonho em fazer. E é com este jornalismo mudaremos o mundo.

Este é um apelo para que cubram, com mais assiduidade, o caso Ingrid Betancourt.

Assistam ao vídeo: Be the change (YouTube)

Assessem o site: www.betancourt.info

Liberte Ingrid Betancourt

2008-04-02T19:42:00.004-03:00

Não tenho forças o bastante para mobilizar as devidas pessoas para que a situação insustentável do sequestro de Ingrid Betancourt tenha fim. Não tenho contatos, dinheiro ou posição social que me permita uma atitude mais incisiva. Mas tenho um coração que bate enfurecido e que reza, mais do que aos meus, pela boa saúde, física e mental, desta guerreira.
Melanie, Lorenzo, Juan Carlos, Fabrice, Astrid, Dona Yolanda, meu coração está com vocês.
Em forma de protesto, não mais escreverei neste blog até que a situação vergonhosa se resolva.

No más!

Salve Jorge (Capadócia-HBO)

2008-03-28T17:07:00.001-03:00

As duas semanas que se passaram sem atualização foram marcadas por uma pesquisa intensa na programação televisiva (leia-se ócio de Semana Santa). Bom, durante a pesquisa, deparei-me com algumas questões a respeito das produções latino-americanas na programação a cabo/via satélite.

São pouco expressivas as incursões desta dimensão latina na TV, mas fazendo jus a um artigo da lei do Audiovisual, há algumas bem interessantes. O post de hoje é pra chamar a atenção para esta série da HBO: Capadócia – Um lugar sem perdão.

A série retrata a vida dentro de uma antiga prisão de mulheres na Cidade do México. As personagens são fortes, maduras, complicadas. As histórias são complexas e prendem a atenção do início ao fim. Produzida na Cidade do México, o cenário foi construído no subsolo de uma arena antiga. Coisa de gente experiente, nota 10!

Nota 10 pela inovação, pela temática, pela ousadia! Gostaria que no Brasil tivéssemos mais chances de mostrar nossos trabalhos também. Quem sabe com as TVs Públicas, não é?

("Capadocia", Mexico/EUA, 2007, Pedro Pablo)

Buffy... de novo (The Return)

2008-02-22T15:20:00.001-03:00

Tudo bem… Admito. Eu tenho um problema com relação a séries de TV.

Pelo menos foi bom ver um filme em que a Sarah Michelle Gellar não lutava contra monstros, for a change! Pelo menos era não estava loira!

O filme tem muitos takes diferentes, como aquele em que ela sai da casa do Terry e na tela aparece o “rabo” da caminhonete se distanciando. Pouco usual, bem interessante.

O que me chamou a atenção foi que tudo parecia ser um sonho: o jogo de foco, a pigmentação da pele dela, a granulação, as cores cinzas, indefinidas. E tudo isto acontece no Texas, onde, supostamente, temos sol escaldante!

Uma pergunta: porque ela feriu seu próprio braço na cabine telefônica?! Qual a relação disto com a morta?

Vendo os extras, deparo-me com um final alternativo. Argh!! Muito pior... Com o final original explica, mas não explica, o que o torna mais instigante... Let the audience think about it!!!

Moral da história: tudo tem a hora certa pra acontecer.

De qualquer maneira, a Sarah M. Gellar tem me parecido uma candidata à Julianne Moore da nova geração: papéis em filmes pouco importantes, pouca bilheteria, mas bons filmes.

(“The Return”, EUA, 2006, Asif Kapadia)

Modernos?!!! (Modern Times)

2008-02-15T22:23:00.001-02:00

Muito entediada, resolvi dar luxo a uma vontade antiga: rever Charles Chaplin. O primeiro que encontrei na prateleira foi “Tempos Modernos”.

Sem muito o que comentar! Acho que eu estaria ferindo a “classicidade” do filme se fizesse qualquer comentário, bom ou ruim.

Só gostaria de relembrar com vocês a cena do rebanho e tudo o que ela representa. Se ao menos Chaplin soubesse no que o mundo industrial se tornou...

Apesar de ter me sentido bem comigo mesma ao assistir tal clássico, confesso que não tenho muita paciência para repetições e exageros, como a cena em que ele é um garçom. Boring!

Mas, enfim...

(“Modern Times”, EUA, 1936, Charles Chaplin)

Good morning, Betty Ford!! (Stepmom)

2008-02-08T18:54:00.002-02:00

Eu adoro aprender novos idiomas. Já me aventurei em 3 deles: inglês, francês e espanhol. Pela facilidade das regras, pelo constante acesso a filmes e outros materiais, acabei me aprofundando mais na língua inglesa. Nestes caminhos lingüísticos, o que mais me chama a atenção (e isto acontece no português também) são as expressões que são criadas a partir de fatos históricos, escândalos da mídia ou pelo dia-a-dia de uma profissão qualquer.

Por exemplo, o que seria de nós, mineiros, sem o nosso “trem”, nosso “uai”. Que seria da Sala do Joarle sem o “venvers” ou o “sorry baby beef”. Que seria da expressão “Aquele menino é um Caxias!“ se ela não se encaixasse exclusivamente aos brasileiros? Assim acontece com os outros idiomas. E várias destas expressões aparecem em “Lado a Lado”. Prova de que estamos lidando com um roteiro detalhado, que cuida de assuntos tipicamente americanos. Soma-se a isto o divórcio; ele casando novamente, com uma mulher mais nova; uma mãe de meia-idade que não sabe lidar com a filha pré-adolescente; etc, etc, etc...

Sem contar as atuações sempre impecáveis de Susan Sarandon e Julia Roberts, podemos identificar um belo trabalho de direção com as crianças.

No fim das contas, que atire a primeira crítica aquele que não saiu do cinema com vontade de gritar aos quatro ventos: “Ain’t no mountain high enough...”

Dá pra acreditar que este filme tem 10 anos?! As atrizes não envelheceram uma ruga??? Impressionante como Hollywood cuida bem das suas princesas.

(“Stepmom”, EUA, 1998, Chris Columbus)

Flashdance

2008-02-01T09:32:00.001-02:00

Flashdance é um clássico dos anos 80, sem dúvida alguma. Não é à toa que deu origem a (pelo menos) um dos trotes mais famosos da FACOM-UFJF: a caloura Flashdance do Show de Calouros (cuja rainha era Priscila Fellet).

Desta forma, ao rever o longa, com olhos de uma fã da sétima arte, não esperava nada além de tosqueira.

Qual não foi a minha surpresa: não é que a história é bastante sólida?! A busca por um sonho, a vontade de fazer tudo por si mesma, a garra de ir até o fim quando tudo conspirava contra.

Clichê, é verdade, mas consistente! Veja bem, eu só esperava cenas em que Beals dançasse frenética seminua! Nada mais!

O que eu vi foi um roteiro muito bem escrito, bem amarrado, estruturado. Nada de exageros (a não ser aquela cena da performance em frente a uma TV, completamente desconexa).

Nota 10! Por ter sobrevivido aos anos 80 e por ter virado, talvez, símbolo de uma época, a repercussão para as atuais comédias românticas.

Em tempo: vocês viram como a Beals ainda está enxuta?!

(“Flashdance”, EUA, 1983, Adryan Line)

Os gritos (The Grudge 1 e 2)

2008-01-27T12:00:00.000-02:00

Vi o primeiro no cinema e não tive coragem de ver o segundo na telona, achei que não compensava. Mas quando vi os dois na locadora, lado a lado, não resisti, minha curuiosidade foi maior.

Assisti novamente o primeiro e tive a mesma sensação do cinema: porque a Buffy não levanta e chuta esse monstrinho?! Muito acostumada com o seriado televisivo, em que a Sarah Michelle Gellar destruir demônio por 5 anos, não acreditei que ela poderia caracterizar uma pessoa tão frágil. Mas enfim...

Vi o segundo já com certo receio. Primeiro porque tinha o nome da Jennifer Beals no meio. E já discutimos sobre ela por aqui e estou chegando a algumas conclusões sobre o ser “tino” pra escolher roteiros.

No fim das contas, porém, percebi algo bastante interessante sobre os dois filmes: os roteiros são magníficos. Histórias paralelas, uma delas sendo contada de trás pra frente. E tudo se encaixa, o publico vai descobrindo aos poucos o porque de cada coisa. Ótimo!

Talvez por conhecer pouco a cultura japonesa eu não tenha ficado exatamente aterrorizada, mas valeu a pena.

(“The Grudge”, 2004, EUA, Takashi Shimizu)

(“The Grudge 2”, 2006, EUA, Takashi Shimizu)

Bota sacrifício nisto (The Wicker Man)

2008-01-23T11:31:00.000-02:00

Ah tá!

Então deixa ver se eu entendi direito: uma sociedade comandada por mulheres, em que os homens são submissos e controlados TEM que ter algo de satânico no meio, não pode ser simplesmente um outro tipo de organização social. Talvez este tipo de raciocínio fazia sentido em 1973, quando o original foi lançado.

Hum-rhum!!

("The Wicker Man", EUA, 2006, Neil LaBute)

Família com problemas (Troubled Waters)

2008-01-18T18:51:00.000-02:00

Quando vi o filme na locadora, achei que os detetives fossem achar a menina afogada num rio perto de casa. Você sabe, eu não esperava um final feliz. Julguei que Jennifer Beals, depois do sucesso de The L World (leia-se: série inusitada e de extrema audiência e respeito) saberia escolher seus papéis como a boa atriz e produtora que é e, diga-se de passagem, ótima fotógrafa. Inusitado porque, acredito, ninguém esperava que um seriado sobre lésbicas ia dar tanto ibope e ser tão respeitado quanto é.

Waters, no entanto, era o nome da naturalmente perturbada família, cuja filha de 5 anos fora seqüestrada enquanto o pai viajava e a mãe dormia. O pai está fazendo um negócio de mais de 100 milhões de dólares; a filha, regardless; e a mulher, sem o “ar da graça” há semanas. Um família problemática, com certeza!

Devo dizer: ainda bem que a menina não teve participação maior no filme. Completamente sem expressão e sem direção. Parece que não se importaram com aquelas cenas: “era só colocar a menina lá, pois a compaixão é inevitável e previsível”. Acontece que este tipo de cena, que pretende marcar a relação pai/filha, mãe/filha, pai/mãe, são extremamente importantes quando se quer fazer um filme sobre a família. John Stead merece um puxão de orelha por isto!

Thriller interessante e inteligente. Ótimas atuações e direção, exceto pela menina. Chamo a atenção para a cinegrafia e fotografia, sempre dando deixas do que viria a seguir. È difícil em Hollywood achar um filme que seja realmente inteligente, isto é, um filme em que o diretor não acha que você é estúpido o suficiente para deixar tudo na cara ou faz de você um estúpido por não conseguir descobrir o que está acontecendo. O que é uma linha tênue, na verdade.

Além disto, o filme começou e terminou na hora certa. Deve-se ter bastante feeling para saber a hora certa. E foi o erro maior de “O Caminho das Nuvens” (Brasil, 2003, Vicente Amorim), com Cláudia Abreu e Wagner Moura (ainda desconhecido pelo grande público, se é que podemos colocar assim). O filme é magnífico, sobre a seca e o sertão, quase um “Vidas Secas”(obra da Graciliano Ramos, considerada um dos grandes relatos sobre a seca), mas bem melhor. Quando o vi, senti que algo estava estranho, mas não consegui identificar bem o que era. Algum tempo depois, participei de uma oficina com o roteirista do filme, David Mendes, e ele próprio apontou o erro: deveria ter terminado antes, quando os pais deixaram o menino antes de chegar ao Rio, para trabalhar em uma construção. O fato é que o filme era sobre o menino e não sobre a jornada dos pais. Sobrou informação e o filme é muito bom, exceto pelo final.

Troubled Waters começa com uma cena em que a Agente Especial Beck (cujo primeiro nome não se ouve) fracassa. Duas pessoas estão mortas. Daí, pula para uma cena três dias antes, o que significa que aquele poderia ser o final da história. Mas não era. Era por volta do ¾ do filme. E aí, outro detalhe sagaz: ao retorno da primeira cena, não houve repetição, nem de diálogos, movimentos ou mesmo de quadros. Fiquei até esperando a frase tipicamente americana se repetir: “God help us” (algo como “Deus olhe por nós”). Nada! Magnífico! Poucos roteiristas têm esta preocupação. Palmas para David Robbeson, o roteirista.

Um único pecado, e gravíssimo: não tinha um jeito melhor, que mostrasse mais a competência da agente, do que ela ser sensitiva?

Por fim, só fica uma pergunta, o que aconteceu há 6 meses atrás?

Apesar de tudo, recomendo. “Seqüestro sem pistas” está na locadora mais próxima de você!!!

(Troubled Waters, Canada, 2006, John Stead)

No tempo das bestas (Love in the time of cholera)

2008-01-02T20:10:00.000-02:00

Fotografia magnífica; direção, tudo. Destaque especial para a trilha sonora, encabeçada pelas canções em espanhol da colombiana Shakira. Casamento perfeito. O roteiro é ótimo. Adaptado de Gabriel García Márquez, não cometeu muitos crimes.
Só que o filme merece nota ZERO deste os 10 primeiros segundos! Qual não foi a minha surpresa por ler na tela LOVE IN THE TIME OF CHOLERA!!! Como assim?
Gabriel García Márquez, Colômbia, Shakira, Fernanda Montenegro e o filme todo falado em inglês (e estou sendo generosa, porque era um inglês muito porco)!!!
Fala sério! O Márquez deve estar se revirando no túmulo.

(“Love in the time of cholera”, 2007, Mike Newell)

Mutum

2007-11-20T21:04:00.000-02:00

Eu provavelmente não terei palavras nem argumentos para qualificar este longa. Não porque meu vocabulário seja pobre, mas porque faltam palavras no dicionário para se equiparar ao filme.
Além da fotografia espetacular: um árido cruel, sol, locações, tudo conspira.
As atuações (que também envolve o trabalho da diretora estreante, especialmente com as crianças)... Sem palavras. Foi natural, foi convincente! Dá pra sentir da cadeira a força da história, a emoção dos personagens.
E destaco uma cena pela qual me apaixonei: Thiago, Felipe e os irmãos estão na varanda de casa, rindo. Esta é a cena! È simples e grandiosa. Traduz a inocência das crianças e o desconhecimento da situação difícil em que se inserem. Fantástico!
Eu sou bastante emotiva e esta foi mais uma película que me fez desidratar. E tive o prazer de assisti-la durante o Primeiro Plano Festival de Cinema de Juiz de Fora, o que me permitiu conversar um pouco com a conterrânea Izadora Fernandes (mãe) e o Rômulo Braga (tio Terez). Mas só no dia seguinte, porque foi difícil até olhar nos olhos deles sem me emocionar. Faltaram, como agora, palavras adequadas para elogiar o trabalho.
De 0 a 10: 27!!

(“Mutum”, 2007, Sandra Kogut)

Podecrer!

2007-10-03T17:58:00.000-03:00

Uma ótima comédia romântica e não tem outra pretensão senão sê-la.
Como sempre, a Conspiração Filmes dá um banho! Muito bem produzido, dirigido e fotografado. É jovem, divertido, dinâmico, colorido.
Se você gostou de “Curtindo a vida adoidado” (“Ferris Bueller's Day Off”, 1986, John Hughes), vai AMAR este aí. Principalmente porque é uma produção brasileira, uma história tipicamente brasileira.
Só acho que a atuação da Maria Flor estava aquém do necessário, aquém dos colegas, aquém do esperado.

(“Podecrer!”, 2007, Arthur Fontes)

Sem controle

2007-09-13T16:42:00.000-03:00

Denso. Intenso. Prepare-se para ficar duas horas sem respirar!
Destaque para as atuações de Pablo Sanábio (ator que ainda vai dar o que falar: pela competência, caráter, talento e humildade) e da Milena Toscano, que compensaram a tábua emocional do Du Moscovis (Milena e Pablo na foto). Que, aliás, é um grosso! Pude observá-lo durante o Primeiro Plano Festival de Cinema de Juiz de Fora. Não vou expor a atitude do rapaz para com os cariocaxxx do brejo, porque não é a função deste blog e nem compete a esta jornalista, e também porque o piti foi dado para defender o Pablito. Por isto, por defendê-lo, nota 10. Pela estrelinha em sua testa.... faça-me o favor, vá estudar teatro!
Este, como a maioria dos filmes brasileiros, tem uma preocupação sadia com a fotografia: parabéns!
Ótimos roteiro e direção. Nada dos finais felizes habituais.
Nota 10!

(Sem controle, 2007, Cris D’Amato)

Tropa de elite osso duro de roer (Tropa de Elite)

2007-08-15T15:26:00.000-03:00

E bota duro nisso... Duro e pesado feito chumbo. Chumbo grosso na cara dos “Zé Pequenos” da vida, na cara, pra estragar o velório.
Primeiro pelo ridículo deste fascínio de alguns produtores pelos descaminhos do crime organizado no Rio de Janeiro. Mas até aí, tudo bem!
Segundo que é difícil engolir a história de que há policiais honestos. Eles todos são mal pagos e enfrentam todo tipo de desaforo. Fora o descrédito da população que, às vezes, tem mais medo deles do que dos reais bandidos.
Falemos, então, das duas lições de vida do filme capturadas por esta jornalista:
1- A violência pode ser justificada
2- Os ricos não devem se meter com os pobres.
Vejamos... Se uma criança trabalha para o crime organizado devemos arrancar dela as informações a qualquer custo. “Traz o plástico!” E tudo se resolve. Ele é pequeno, fraco, frágil e está nisso porque quer, pois oportunidade não falta. Tem tanta ONG ajudando lá no morro.
Opa! Mas não foi neste mesmo filme que a galera zona sul da ONG se f****? Daí vem a segunda moral da história: os ricos devem ficar na zona sul e os pobres no morro. Não tem nada que se misturar e ONG não serve pra nada.
Eu posso estar enganada, mas de onde venho, o trabalho das ONGs faz diferença, SIM. E costuma mudar a vida de muita gente com trabalho de mauricinho e patricinha que está ralando lá dentro, passando por situações, no mínimo, embaraçosas, pra desencargo de consciência. Pelo menos estão fazendo alguma coisa, certo? Não ficam só no falatório.
E outra... Eu não entendo muito de direitos humanos, mas abuso de poder não é crime?

Mudando de assunto...

Aplauso pelas atuações de Wagner Moura e Caio Junqueira (este em especial).
Apesar de um roteiro, digamos, arbitrário, valeu a pena!

(“Tropa de Elite”, 2007, José Padilha)

Besta sou eu (Baixio das Bestas)

2007-07-05T11:13:00.000-03:00

Se o propósito de Cláudio Assis, diretor de “Baixio das Bestas”, era incomodar, nota 10! Conseguiu. Me revirei na cadeira do cinema desde os primeiros minutos.
Exagerado, sujo, feio! Um desperdício de película, eu diria. Tanta coisa boa pra se mostrar no Brasil, poxa!
Fora as cenas absolutamente desnecessárias. “Vamos dar uns tiros!”. Matheus Nachtergaele e Caio Blat, completamente nus, numa cena completamente aleatória que não diz nada. Antes eles tivessem “se pegado”! Aliás que o Caio tem feito uns filmezinhos que vou te contar! Perece que ele está tentando se tornar um grande ator ao fazer estes filmes que chocam.
Já a Dira Paes, totalmente desperdiçada. Acostumada a fazer filmes densos tais como “Incuráveis”(idem, 2006, Gustavo Acioli), a moça escolheu errado este roteiro.
E são filmes assim que conseguem entrar em cartaz nas salas de cinema deste país. Filmes assim que conseguem patrocínio. Ê, mundo perdido! E besta sou eu que fui assistir!
DESPERDÍCIO DE PELÍCULA!!! Quer mostrar o podre do Brasil?! Meu amigo, vá fazer um documentário em digital que é mais barato!
Foram as duas piores horas da minha vida.

(“Baixio das Bestas”, 2007, Cláudio Assis)

Ê, Glorinha!!! (Primo Basílio)

2007-06-02T19:07:00.000-03:00

Palmas, mais uma vez, para Glória Pires. Maravilhosa!
E é por causa dela que tenho certo desdém pela Fernanda Montenegro, inclusive. Porque ela é zilhoes de vezes mais talentosa do que a Fernanda.
A história do filme é fantástica, uma pena terem mudado o final. A morte da velha foi beeeem... pobre,... feia.... Merecia algo melhor, sem dúvida!
Aplauso também pra cena de sexo. Sutil, adequada! Muito bem dirigida e fotografada. Sim, porque grande parte das cenas de sexo no Brasil são mal feitas e desnecessárias.
Nota 9!

(“Primo Basílio”, 2007, Daniel Filho)

Person

2007-05-02T12:03:00.000-03:00

Além de ter sido um dos maiores cineastas deste país, Luis Sérgio Person ainda deixou duas filhas talentosíssimas pra contar a história (literalmente). Uma, a Domingas, na área do jornalismo. A outras, Marina, segue os trilhos do pai. E demonstra, neste seu primeiro longa (primeiro de muitos, esperamos), ter puxado o “mojo” do Person!
O documentário traz grandes nomes, uma bela história. Nada da chatice de alguns documentários por aí. Nenhum sensacionalismo ou “puxa-saquismo”. Primeiro porque o Person era O CARA. Segundo porque a filha mandou muito bem.
Nota 10! Nota 27!

Ps.: Vou começar a adotar a nota 27.E é a nota mais do que máxima! E é 27 simplesmente porque eu acho o número bonito. Porque eu sente viajo na poltrona 27. E porque vinte e sete soa bem! Vinte e sete! Leia em voz alta: vinte e sete!!! Não falei?

(“Person”, 2007, Marina Person)

Jigsaw pra que te quero (Saw 4)

2007-04-02T15:43:00.000-03:00

Sem dúvida, os caras estão se superando. O melhor e mais elaborado da série. A história se encaixa e se completa em cada detalhe, ficando cada vez mais complexa. Nada foi por acaso.
È sempre bom assistir a um filme inteligente, mesmo que os efeitos não sejam tão perfeitos.
Aguardando ansiosamente pelo quinto!

(“Saw 4”, 2007, Darren Lynn Bousman)

300

2007-03-02T18:18:00.000-03:00

Filme de guerra é sempre filme de guerra. Muitos efeitos, cuidado extremo com figurinos e armas (reprodução o mais fiel possível).
Mas, pô, colocar o Rodrigo Santoro gay foi sacanagem! E depois andam dizendo que ele ganhou Hollywood! O personagem ficou cômico e não acredito que tenha sido esta a intenção.
Mas ainda é bem interessante terem colocado o Leonidas como um bom marido. Como poucos... Palmas para o ineditismo (se é que se pode dizer assim) desta ponta do roteiro. E dá-lhe "photoshop" no peitoril de figurante.

("300", 2006, Zach Snyder)

Ahhh, o verão....... (The Holiday)

2007-01-27T22:07:00.001-02:00

Longe de estar curtindo todas, tomando todas e me aveturando verão afora. Cá estou, presa às aulas de Janeiro.

Nunca gostei de ler as críticas de Veja sobre filme, música ou qualquer que seja. Acho que são muito radicais no que dizem e acaba estragando um pouco do brilho do filme. Se eu não gosto de ler sinopse para não estragar, imagina crítica, ainda mais de Veja. Poupe-me.

Mais forte do que esta minha aversão, era a aula chata que eu estava tendo quando deparei-me com a crítica de Isabela Boscov a “O amor não tira férias” (The Holiday – 2006).

Falem o que quiserem, EU GOSTO da Cameron Diaz. Ela me diverte e me encanta. Está certo que ela, ao contrário de Kate Winslet, definitivamente tem problemas em escolher os roteiros. Se há uma coisa que eu sempre digo é que se um filme tiver Kate Winslet, Morgan Freeman ou Naomi Watts no elenco, pode apostar. São pessoas que sabem escolher o que fazer. Jude Law e Angelina Jolie também sabem fazer boas escolhas.

Anyway...

Cameron sempre escolhe papéis água com açúcar: a neurótica que nunca foi amada de verdade ou a mocinha ingênua e infantil em busca de um verdadeiro amor.

Mas não achei, por nenhum momento, que a atuação dela foi decadente. Não a podemos comparar com Kate, de forma nenhuma. Kate tem o dom. Como quase nenhuma na indústria. E talvez seja por isso, por ela não estar na indústria (no pior sentido da palavra), que seja tão atraente aos olhos desta cinéfila.

Uma coisa que Boscov falou em sua crítica, intitulada “A narcisista e a desencanada”, e que eu concordo plenamente é que ela fez muito bem em não ter estourado na época de “Titanic”(1997, James Cameron). E que engulam isso com bastante angu as revistas de fofoca que ficavam/ficam se preocupando com a balança dela. Acima ou abaixo do peso, Kate Winslet sempre será uma estonteante atriz, competente e perfeita.

Completamente apropriado para a estação, não fossem as minhas aulas na Federal (malditas sejam todas as greves!). Bem humorado e simpático.

Poderia ter brincado mais com a imaginação de Amanda (personagem de Cameron). Era brilhante quando ela escutava a narração do trailler.

As brincadeira do roteiro também poderiam ter sido melhor exploradas. Como quando Amanda volta correndo para encontrar Graham. Ela passa pelo mesmo caminho que fez no começo do filme e, ao invés de xingar e fazer o trajeto com extrema dificuldade, ela corre. E o melhor: ela pára no meio para respirar. E a trilha, maravilhosamente composta, acompanha o ritmo. Excelente!

Detalhe para a aparição relâmpago de Lindsay Lohan, Dustin Hoffman e Kathryn Hahn. Hilário!

E ainda não entendi, perdoem a ignorância, porque Isabela chamou Winslet de narcisista. Como diria minha amiga carioca....
Vai saber!

("The Holiday", 2006, Nancy Meyers)

Dos filmes que eu vi (Primeiro Plano Festival de Cinema)

2006-11-29T14:03:00.000-02:00

Vi 3 dos filmes que passaram no Primeiro Plano Festival de Cinema, que aconteceu em Juiz de Fora entre os dias 06 e 12 de Novembro deste ano. O Festival ainda teve mostras de curtas-metragens em película e vídeo, inclusive o meu primeiro vídeo, “Ledo Engano”, também foi exibido. Foram muitos e o critério de seleção para exibição parecem ter sido um tanto quanto arbitrários. O que significa que tinha coisa bem legal, mas também tinha coisa muito ruim. Destes eu abstenho meus comentários.

Quanto aos longas-metragens...

O ano em que meus pais saíram de férias

Uma das melhores histórias que eu já vi, tanto de filmes brasileiros como estrangeiros. Delicado, sutil e de bom gosto. Como nunca alguém conseguiu fazer um filme sobre a ditatura que fosse tão leve e gostoso de assistir, mesmo com cenas fortes de “revolucionários” x polícia.
É certo que a atuação do Michel Joelsas e da Daniela Piepszyk, que interpretam as crianças, seguram a atuação do resto todo. Mas de qualquer maneira, o modo como retratam a ditadura como pano de fundo e a inovação de ver tudo aquilo sob os olhos de um garoto que só queria ver o Brasil campeão da Copa foi uma sacada estupenda do Cão Hamburguer, pai da idéia original e também assina a direção.
A fotografia é belíssima, os Gullane tiveram dificuldade para achar aquele bairro todo para filmar, mas cada centímetro das locações e dos cenários, ajudaram a compor a visão lúdica e ao mesmo tempo sombria dos anos 70 no Brasil.
Fora que o jogo de câmera com os reflexos e focos deram um estilo dinâmico e detalhista ao filme, o que mostra uma preocupação constante com cada detalhe.
Se todo diretor/produtor/fotógrafo formassem uma equipe tão dedicada quanto esta, as produções brasileiras iam despontar até mais do que as francesas.
Assistam!
De 1 a 10, a nota é 15!

(“O ano em que meus pais saíram de férias”, 2006, Cao Hamburger)

Remissão

O filme não tem nada. O roteiro é ridículo, a fotografia não encanta, a direção é horrorosa, os atores, piores e o som estava péssimo (isso pode ser culpa da projeção horrível do Palace).
Mas enfim, quando eu não achei que poderia ficar pior, foi lá o padre e deu um beijo no galã.
Todo mundo começou a rir e eu achei por um momento que eu tinha perdido a piada. Mas se eu perdi a piada, é porque ela foi de muito mau gosto, porque ria de um padre que molestou uma criança.
Aí teve dois finais, um menos descabido do que o outro. E no meio disso, a escrava começou a rir do que estava acontecendo, ria-se do tipo: “Bem feito, acho pouco bom e doce!” Fiquei com vontade de sair correndo, só não saí porque o diretor do filme e mais uma atriz estavam presentes. Eu tive vergonha por eles.
De 1 a 10, voto –15!

(“Remissão”, 2006, Silvio Coutinho)

Incuráveis

Este compensou todo o meu cansaço. Depois de trabalhar o dia inteiro e esperar horrores a sessão começar, valeu a pena! Incrível como o roteiro é trabalhado, Um daqueles filmes que te deixa pensando nele vários e vários dias. Sem contar que a atuação dos atores é magnífica. Trata de um assunto forte, cabuloso e se sai bem dele por completo. Não deixa nenhuma lacuna, nem de personagem, nem de situações. E mesmo assim não é aquele filme “explicadinho” e entediante.
O pior é que não posso comentar mais detalhes do filme, porque eu posso estragar a surpresa e a reviravolta do filme. Fica a dica: assistam!! De 0 a 10, voto no 13! Muito bom.

(“Incuráveis”, 2006, Gustavo Acioli)

Efeito Borboleta 2: um erro (Butterfly Effect 2)

2006-11-29T13:12:00.000-02:00

“Efeito Borboleta 2” já anuncia seu fracasso nos primeiros 3 minutos de filme. Um acidente de carro acontece, um espetáculo de sons, com freios, vidros quebrando e então o silêncio. O plano é o pára-brisa quebrado com rajadas de sangue escorrendo. Para a surpresa de quem gostou do primeiro filme – com Ashton Kutcher e Amy Smart – este sangue escorre até formar um 2, como em “Pânico 2”. É neste momento que me perguntei: será que entrei na sessão errada? Quando já ia checar meu ingresso, a trilha sonora anuncia o que aparece escrito em volta: Butterfly Effect. Isto não pode dar certo! Esta seria uma seqüência com um triste fim
O pouco crédito que ainda restava foi-se todo com a atuação péssima do galã principal Eric Lively, no papel de Nick Larson. Insosso, ele não conseguiu construir um personagem que gerasse identificação ou simpatia, como o personagem de Kutcher no primeiro filme. Nem Erica Durance, a Lois Lane de “Smallville”, foi capaz de segurar a onda da interpretação.
Quanto aos efeitos especiais? Tétricos. Uma sacudida na câmera e pronto, deixe o público adivinhar o que mudou. Onde estava brilho do primeiro filme de ver toda a vida de Evan acontecendo em segundos?
O primeiro roteiro demorou 8 anos para ser elaborado. O segundo, menos de 2, já que o primeiro teve sua estréia em 2004. Podiam ter esperado mais um pouquinho, não acham?

Os personagens
O personagem de Lively também não ajudou: fraco e de caráter duvidoso. Aliás, assim eram todos os personagens. Talvez isso fosse intencional, na tentativa de construir um mundo em que houvesse personagens realistas, com objetivos menos altruístas do que os de Evan, personagem de Kutcher no primeiro filme. No entanto, esta escolha parece não ter sido afortunada, já que resultou numa história vazia. Não parecia que Larson tentava fazer a escolha certa. No fundo, ele só queria se dar bem, tirar vantagem da “doença” para passar por cima de outras pessoas. E aí veio o castigo divino: dava tudo errado! Não era como Evan, que tentava sempre fazer a coisa certa e, no final das contas, acaba sendo pior.
E o que aquela máfia tinha a ver com o filme? Aquele cara estranho fazendo sexo oral em Nick. Bizarro, se não de mau gosto! E o amor do casal principal, assim como em “Brokeback Mountain”, não convenceu. Para que o público acredite num amor que transcende barreiras espirituais, temporais e circunstanciais, é preciso muito mais do que um diálogo pertinente. Precisa de carisma, interpretação, história, como em “A Casa do Lago”. O que tinha aquele casal de tão especial se um telefonema era mais importante do que o aniversário da mocinha?
Tentaram construir um personagem que fosse ambicioso e o que conseguiram foi um babaca sem escrúpulos. Depois, o objetivo era reproduzir o sacrifício maior do primeiro filme: o galã não terminar com a mocinha. Solução: ela pega o carro, sai desembestada e ele morre. Por que Larson apenas não jogou o celular para bem longe? Era o mais óbvio a se fazer. Eles forçaram atitudes desconexas para construir uma história de 92 insuportáveis minutos.

O triste fim da seqüência
A princípio, todas as seqüências deveriam ser proibidas. Uma seqüência que não traz os mesmos atores e histórias do primeiro é ainda pior. Ela quebra a identificação do público.
É como quando Mulder e Scully foram substituídos por Dogget e Reyes em “Arquivo X”. Perdeu a graça! Pode perguntar se há algum eXcer* que se preze, shipper ou anti-shipper, que sobreviveu à esta mudança. É certo que nem toda seqüência é pior do que o original. “Jogos Mortais 3”, por exemplo, dá um banho no primeiro e segundo juntos. “X-men” II e III também são melhores que o primeiro. O que não acontece com a trilogia Pânico. Todo o encanto de satirizar filmes de terror no primeiro é fracamente elucidado nos demais.
Uma alternativa para os fracassos sucessivos das seqüências seria a pesquisa de mercado. Há uma demanda para a seqüência de tal filme? Que tal passar o roteiro por uma aprovação de público? Convidem lá alguns críticos de cinema e cinéfilos ao redor do mundo a ler o roteiro e perguntem o que acham. Com certeza, pouparia muito tempo e dinheiro de pobres mortais, como nós, que só querem ver um bom filme no cinema.
O engraçado é que seqüências parecem ser mais bem vistas aos olhos dos grandes estúdios do que histórias originais. Vai saber...

(“Butterfly effect 2”, 2006, John R. Leonetti)

* eXcer: assim são chamados os fãs de “Arquivo X” pelo mundo afora. Um eXcer shipper é aquele que torce para o romance entre Mulder e Scully e o anti-shipper é o que torce contra. Shipper vem da palavra inglesa relationship, que significa relacionamento.

Primeiro Plano Festival de Cinema

2006-11-08T13:09:00.000-02:00

Primeiro Plano Festival de Cinema de Juiz de Fora - 06 a 12 de Novembro de 2006

A quinta edição do Festival já começou. Meu primeiro video está na programação.
Confira mais detalhes no site www.luzesdacidade.art.br
Em breve confira aqui mais informações a respeito dos filmes que estão participando do festival.

Saí do cinema pensando: eu quero ser Emily (The devil wears Prada)

2006-10-19T01:29:00.000-03:00

O maior dos clichês tinha se apossado dos meus pensamentos: “até que não deve ser tão ruim”. Meu objetivo de vida seria, a partir daquele momento sublime, o mais fútil do universo: eu quero ser a assistente superficial de alguém importante do mundo da moda. Passando o momento de êxtase, percebi que o que eu queria era ver o filme de novo e de novo.
Em "O diabo veste Prada" (The devil wears Prada, 2006), Meryl Streep, como sempre, faz jus ao seu recorde de indicações: impecável. O divórcio é uma cena memorável. A mulher de negócios finalmente desmorona. 5 segundos mais tarde, lá está ela de volta ao pedestal. Só Meryl Streep.
O roteiro é completinho, nada muito fora do comum. O que chama a atenção são os diálogos e o memorável: “that’s all!”. A trilha sonora também eleva ao máximo o potencial da fotografia. Destaque para os momentos em que Andréa deixa alguns lugares, alguns momentos cruciais da trama. Ela se vê sozinha, tendo de enfrentar aquele monstro, sem ver sentido naquilo que faz. Ela tem de lidar com esta nova mulher que surgiu depois de Miranda. Detalhe para “Crazy”, na voz de Alanis Morissette, que entra num momento bastante oportuno.
Gisele Bundchen entra com a corda toda. Apesar do fiasco de “Táxi”, um filme que apenas deixa os cuecões de plantão com o nariz em pé, ela se supera numa aparição simples, humilde e muito meiga. Ela não estava lá simplesmente fazendo uma ponta. Ela fez, digamos, o trabalho que Roberto Carlos tinha que ter feito no jogo contra a França na última Copa do Mundo. Em outras palavras, ela tinha um significado muito interessante não triangulo Emily-Miranda-Andrea e cumpriu direitinho o objetivo do personagem.
Tudo culpa da direção pulso firme de David Frankel. O cara não é pouco expressivo, mas dirigiu alguns episódios de Sex and The City... Não é pouca coisa. E deixou de lado o aspecto do glamour asqueroso da imprensa. Ou seja, ele não condenou nem inocentou a mídia que trabalha com moda, simplesmente deixou clara a necessidade dela.
Anne Hathaway é simplesmente perfeita para o papel. Linda sem as roupas chiques, estonteante com elas. O personagem também ajuda bem: indecisa, cheia de pudor, honestidade e toda essa baboseira dispensável ao mundo dos negócios. Clichê novamente.
Outro ponto do roteiro/direção é o modo como estes clichês são trabalhados sutilmente.
Brilhante!

(“The devil wears prada”, 2006, David Frankel)

Horror pelo horror só assusta criancinhas (Silent Hill)

2006-10-19T01:16:00.000-03:00

Quando eu me proponho a ver um filme de terror, eu penso sempre na minha infância de Sexta-Feira 13. Eu tinha medo até de ir ao banheiro depois do filme. Com certeza, se eu visse “Terror em Silent Hill” (Silent Hill, 2006) há 15 anos atrás, eu teria ficado sem dormir 3 dias.
Confesso que tive de fechar meus olhos alguns segundos (isso na cena péssima do cadáver no banheiro. Por que será que contorcionismo assusta tanto?), mas não passou disso.
Assim que aquela faca de açougueiro começou a crescer, a minha vontade era de deixar a sala de cinema. Foi a primeira vez que eu tive a real vontade de sair do cinema antes do filme terminar. Nem em Anaconda 2 (sim, eu vi Anaconda 2 no cinema) eu tive tanta pena do meu dinheiro.
O filme, segundo consta nos autos, foi tirado de um game. Depois da febre dos games de horror iniciado por Resident Evil, começaram a surgir no mercado os que contavam histórias horripilantes de cidades abandonadas, mortos vivos e crianças perdidas.
O primeiro pecado do filme é a heroína secundária. Machona, cabelo curto, loira e policial (Laurie Holden está mesmo decadente). Que fissura é essa que os americanos têm com policiais heróis? Eu, hein? Ninguém aí viu “Crash” não, meu Deus do céu. Enfim... Achei mesmo que ela fosse ter um caso com a Rose da Silva (aliás, qual a explicação para este sobrenome???). Pelo menos era o único apelo sexual que o filme tinha, já que a policial não era nada feminina, nada cativante. E ainda tinha que morrer no final.
Para fazer um filme baseado em um game, o mínimo que você espera são efeitos especiais interessantes. Nada disso. A Laurie Holden, na fogueira, parecia uma boneca de plástico queimando. Seu irmão já botou fogo em alguma boneca sua e você ficou lá observando, chorando, querendo que ela voltasse ao normal? Pois é, é esta mesma imagem que você verá quando a policial for queimada na fogueira.
Sem contar que a atuação de todo o elenco foi ruim. Sinal de que Christophe Gans não vale a pena.
A questão é a seguinte: se é pra levar às telas de cinema um video-game, que seja bem feito como Tomb Raider. Que seja inovador como Sin City (que originalmente é história em quadrinhos, mas enfim...) Que seja bem elaborado como o primeiro Resident Evil. O espectador não engole mais qualquer coisa, não. E isso se reflete na bilheteria.A sensação que eu tive foi a mesma que tive em “A Vila”: o filme não tem plot principal, não tem razão de existir. A questão principal (procurar um sentido para os pesadelos da filha) não convence.

(“Silent Hill”, 2006, Christophe Gans)

Capuccino, companhia, filme e discussão (The Lake House)

2006-10-05T17:16:00.000-03:00

Um bom filme nem sempre tem que vir acompanhado de uma boa companhia ou um bom capuccino. Mas um bom filme sempre tem que despertar vontade de comenta-lo depois. Se for assim, “A casa do Lago” já marcou 2 pontos.

A noite começou com um bom capuccino (e desta vez com creme) antes da sessão começar, criando as expectativas, sem, claro, mencionar nenhum tipo de sinopse, pois elas sempre estragam o filme. Apesar da falta de espaço entre as cadeiras (coitado do meu amigo Zezinho, ele é muito grande), saímos do cinema pensando nele.

O que é melhor nestas situações é que cada um sempre enxerga diferente, principalmente quando falamos de um filme que trata, em linhas gerais, sobre fendas no tempo. Adiciona-se na receita uma pitada de romantismo, Jane Austen, trilha de Paul MacCartney e Carole King e Sandra Bullock... Já era... É um filme que conquista!

Mas deixa algumas lacunas. Por exemplo, a cachorra. Ela não poderia estar em dois lugares ao mesmo tempo, e, ao que tudo indica, na primeira noite de neve do filme, ela está tanto com o Alex quanto com a Kate.

Explico.

Quando eles ainda estavam tentando entender como um podia estar em 2004 e a outra em 2006, Kate procura algumas fotos antigas e acha uma de uma noite específica em que nevou repentinamente. E ela comenta com Jack (a cachorra) que o animalzinho não estava feliz aquele dia. Quando Alex passa pela mesma nevasca, Jack está com ele e não poderia, assim, ter saído na foto com Kate. Lacuna!

Outra falha do filme foi na construção da relação do pai com os filhos. Tudo vai muito bem até uma conversa do pai com Alex sobre iluminação nas construções. Parece que o pai vai pedir que o filho trabalhe para ele em Barcelona. A conversa termina sem saber aonde o pai queria chegar com toda aquela “talk-talk-talk”.

Plot principal: A caixa de correio é que traz a “magia” do filme. É ela a responsável única e direta pelas correspondências. Ao que me parece, o motivo daquele lago, daquela casa, daquela caixa de correio enfim, serem do jeito que são, é por causa da relação problemática entre os pais de Alex. O pai construiu a casa antes de ser um grande arquiteto, construiu pensando na esposa e para a esposa. Foi uma casa feita com amor, muito embora tenha sido citado no filme que o pai a construiu pensando nele próprio, fez uma CASA e não um LAR.

Esse amor que o pai tinha pela mãe era tão forte a ponto de se criar uma magia em torno daquela edificação? Não sei! Nada disso é explorado no filme. Este é o meu palpite.

Gostei do filme? Sim! Na escala de 1 a 10, a nota é 7,5, no máximo 8. Se o Alex tivesse morrido no final, seria 15.

(“The lake house", 2006, Alejandro Agresti)

Se eu fosse você

2006-10-01T17:27:00.000-03:00

Se o ditado “em time que está jogando não se mexe” for correto e comprovado, é mais um motivo para aplaudir o cinema brasileiro de pé e de salto alto. O cinema brasileiro parece ter gostado das comédias românticas e, se isto está funcionando, quem sou eu para discordar?! Além do gênero, algumas figurinhas também vêm aparecendo com freqüência – uma freqüência de dar medo aos mais radicais, mas que, definitivamente, depois de assistir “Se eu fosse você”, não me atrevo a criticar.

A comédia romântica, é fato, vende. E vende bem! Principalmente para o grande público. Não chega ao ridículo do pastelão e é sóbria e relaxante. Própria e perfeita para uma Sessão da Tarde ou uma sexta-feira, depois de um fatigante dia no trabalho. Você esquece os problemas e se diverte na dose certa. Além de cativante, ela é um excelente produto de marketing, porque pipoca de merchandising - aquelas propagandinhas camufladas no meio do filme.

Algumas figurinhas repetidas – que, lembrando, não completam álbum – às vezes só servem para levar o público, descrente do cinema nacional, às salas de todo o país. Truque de marketing que funciona! Eu nunca fui fã de ator global, muito menos da insossa Glória Pires e do cabeludo Tony Ramos. A verdade é que me encantei com os personagens, apesar de ter me interessado mais a parte em que um está no corpo do outro. Os dois estão estonteantes, belíssimos, se é que me permitem o trocadilho infeliz. Fugir do lugar comum e não interpretar eles mesmos parece ter motivado a dupla. Sim, porque sempre que Glória Pires e Tony Ramos interpretam um papel, eles interpretam eles mesmos, com uma pincelada de arte de roteiro. É o típico “se isso tivesse acontecido comigo, eu reagiria assim” e não uma reação do personagem, com o histórico tal ou qual. E é isso que diverte no filme: ver Glória Pires andando de perna aberta e contando piada “de homem” e Tony Ramos com problemas para fazer pipi, rebolando etc. e tal.

Apesar de tocar numa tecla bastante comum no mundo cinematográfico (a troca de papéis) e partir de um desejo da satisfação de simples curiosidades: saber como é ter o órgão sexual do outro, saber que tanto cochicham as mulheres ou que tipo de piada fazem os homens quando estão sozinhos.

Filmes bons geralmente te prendem desde os dois primeiros minutos, te faz querersaber o final. “Se eu fosse você” te prende um pouquinho mais para frente, quando você começa a se entrosar com os personagens, a participar da briga do casal, do cotidiano, se colocar no lugar de cada um. Que levante a mão qualquer casal que não passou por aquilo. E é aí que o roteiro começa a ficar interessante: os diálogos, as deixas. É um dos poucos filmes de comédia romântica brasileiros que não apelam para o finalzinho feliz e que deixam o público caminhar sozinho na (des)complicada trama. Um filme que fala com imagens! O espectador sabe antes do casal que a troca aconteceu porque as imagens disseram: a posição de cada um dormir, os hábitos matinais. Além disso, a montagem é bastante interessante. Auxiliada por um roteiro inteligente, ela foge do lugar comum da PR (pergunta-resposta). A seqüência inicial mostra uma rotina desgastada sem que o casal precise discutir a respeito, o que torna os diálogos ricos e reais.

O que é imperdível neste filme é número um: Patrícia Pillar bancando a pseudo-lésbica; número dois: Patrícia Pillar e Tony Ramos dançando e cantando uma música dos anos 80; e numero três: a Glória Pires dando uns passinhos a la Eminem, por assim dizer, na apresentação do coral.

Sutil, inteligente, engraçado!

(“Se eu fosse você”, 2006, Daniel Filho)

Dogville: o retrato de uma doença

2006-10-01T17:17:00.000-03:00

Para estrear isso aqui, nada melhor do que o Von Trier, num filme que eu considero clássico. Fiz um ensaio sobre ele, apresentado no Segundo Encontro Regional de Comunicação. E uma leitura bíblica do filme, associando os personagens às figuras bíblicas. Ficou bem interessante. Quem quiser, deixa o e-mail no comentário que eu envio o texto.

E bem vindos ao meu novo blog!

Partindo do princípio de que a sociedade norte-americana é uma sociedade doente, podemos enxergar o longa-metragem Dogville, do dinamarquês Lars Von Trier, como um palco de análise sistematizado didaticamente para melhor entendermos este emaranhado e complexo way of life.

O longa-metragem é cheio de peculiaridades, pois é uma obra originalmente cinematográfica. Como tal, isto implica que o produto final é um resultado direto da intenção artística do seu diretor. Daí dizer que o filme é um palco – e literalmente o é – para que possamos compreender passo a passo o que se está querendo transmitir. E lembremos que esta é a visão de um grupo de pessoas, quando não de uma única apenas, e, por isto mesmo, um modo de interpretar o que acontece nos Estados Unidos.

E esta “doença social” que atinge a sociedade norte-americana é causada por um vírus que ataca áreas específicas do cérebro e do coração, de modo que habilidades como o respeito, a honestidade e às vezes, até mesmo, a razão ficam temporariamente abaladas. Se a doença se prolongar por mais de um mandato da presidência, ela pode se tornar crônica e, então, tais alterações no organismo causam danos irreparáveis do ponto de vista humanitário. Tal doença envolve primordialmente três conceitos/“sintomas” básicos: orgulho, egocentrismo e sucesso (conceitos que mais poderiam se chamar “pré-conceitos” uma vez que tratam-se de significados bastante subjetivos) e atinge a grande maioria da população, uma vez que o agente transmissor são os meios de comunicação de massa.

Sucesso porque há uma pressão sócio-psicológica, por assim dizer, para que cada indivíduo tenha sucesso na vida. E isto não significa um incentivo para que as pessoas não desistam de seus ideais, mas, sim, uma pressão psicológica que desrespeita toda e qualquer forma de individualidade. De modo que se um norte-americano não tem dinheiro, um alto e respeitado cargo dentro de uma corporação que possui filiais do Japão ao Sri Lanka – o que confere mais uma estupidez de equiparação cultural e econômica, mas que deveras funciona, haja visto o sucesso dos fast-foods no Brasil – , mulheres caindo aos seus pés – mesmo que sejam secretárias gordas e com uma leve queda por escândalos internacionais – , dinheiro, um horário de trabalho flexível, uma certa fama pelo menos dentro da sua profissão e dinheiro... Bom você então é um ninguém, um John ou Jane Doe, como eles gostam de chamar.

E aí caímos no egocentrismo, que envolve e engloba os outros dois sintomas. Qualquer coisa que fira, mesmo que superficialmente, essa idéia burra que eles têm de que são os melhores, tem seus dias contados. Haja visto a guerra infundada contra Bin Laden e Sadam. Infundada e fracassada, diga-se de passagem. Ambos feriram o ego norte-americano e, a qualquer custo, haveria retaliação. A qualquer custo mesmo porque dinheiro eles têm e vidas,... Quem se importa com os soldados? É pra isso que eles são pagos.

Os norte-americanos têm dentro de si um orgulho tão grande (de serem os melhores, de serem os primeiros, de serem capazes – e assim todos que não podem sê-lo são discriminados – , de sua coca-cola estar por toda parte – e observe que coca-cola deixou de ser um nome próprio para se tornar um substantivo comum e vai chegar a ponto de dizermos ao bartender algum dia: “Me vê uma coca-cola Pepsi!”, mas, enfim, esta é uma outra discussão!), que isso acaba por incutir em suas vidas uma necessidade enorme de serem felizes. “De serem felizes” no sentido mais amplo e portanto, desrespeitando mais uma vez a subjetividade de um conceito. Kant destacou muito claramente este ponto ao manifestar na “Crítica da Razão Prática”(1788) que a felicidade é “o nome das razões subjetivas da determinação [o grifo é nosso]” e, portanto, não é redutível a nenhuma razão particular. Daí a não podermos cogitar a cerca do que se pode ou não trazer felicidade a um indivíduo.

Mas o que isto tem a ver com Dogville? Bom, segundo o próprio diretor, Dogville é uma crítica à sociedade norte-americana. As metáforas são sutis, os exemplos mais ainda. Muito embora alguns possam achar que o filme é exagerado, extremado, percebemos que aquilo faz parte da representação, do recontar. Segue-se aqui a linha de pensamento de que aquilo que choca no cinema é aquilo que mais fica guardado na mente das pessoas. E como diretor experiente, Von Trier sabia disso, sabia que por mais crítica que tivesse seu filme, se as pessoas não se lembrassem dele, não haveria repercussão, discussão ou análise mais profunda sobre ele, ele procura chocar pois senão seu propósito de afetar não seria atingido.

O filme é, por si só, uma exemplificação: parte do singular para tentar explicar o geral. Cada pequena coisa que acontece em Dogville, cada pedacinho do cenário, da iluminação, dos diálogos têm o propósito único e simples de serem a ponta do iceberg. Até a “crucificação” da personagem principal, Grace (quando eles colocam o dispositivo anti-fuga: um grilhão de ferro preso em seu pescoço, soldado a um sino e preso por um enorme prego e uma corrente que trazia uma roda, também de ferro, muito pesada), remete ao quão os americanos estão arraigados naqueles pensamentos.

Cada personagem se refere a um sintoma específico desta “doença social”. A mãe traída com vários filhos para criar (orgulho ferido), o filho rebelde (egocentrismo), a deficiente (incapacidade de produzir, e, portanto, escória), a negra empregada doméstica (incapacidade de ser branca: racismo inerente), a dona da loja (capitalismo), a assediada sexualmente (Mônica Lewisnky: orgulho ferido), os Tomas Edsons (ao mesmo tempo luz e traição, poder e egocentrismo). E todos, cada um a seu modo, tira proveito da jovem e bela Grace, que representa, a cada um particularmente, um mundo a ser conquistado, seqüestrado, sugado. Até o mais idiota dos personagens, o mais manipulável, consegue ter sua parcela de paliativos. Eles se encontram em tamanho desespero interno que vêem na primeira pessoa que aparece o seu nirvana pessoal, sua salvação e sua destruição. Ela é o petróleo, a Floresta Amazônica, o buraco na Camada de Ozônio, a água no Oriente Médio, o potencial bélico, os países do Terceiro Mundo, Hollywood... E cada um tenta vender a ela sua Coca-Cola (agora, sim, o nome próprio), sua Nike, Microsoft, Sony Entertaintment Television, enfim, sua água engarrafada, que nada mais é do que água de torneira com um rótulo colorido e uma marca no mercado.

Uma visão inteligente, cética e fatalista do american way of life. Von Trier dá indícios de como as coisas funcionam por lá e coloca, até no próprio cartaz do filme, os dizeres “uma pacata cidade não muito longe daqui” como um alerta às pessoas de que a “doença social” estadunidense que, cada dia mais, parece ser incurável e que transpõe tantas barreiras, está perto de você e você deve se preocupar com ela.

Enfim, um excelente filme para alimentar uma possível aversão aos Estados Unidos. Ou três belas horas de Nicole Kidman engolindo todo tipo de sapo para depois, bom... não vamos contar o final...

(“Dogville”, 2003, Lars Von Trier)

Cortes estranhos, vívida realidade (Cinema Aspirina e Urubus)

2006-02-22T13:27:00.001-03:00

Cinema, Aspirina e Urubus é um filme aparentemente muito estranho e pouco iluminado. É a história de um alemão que foge da II Guerra Mundial para o Brasil. No novo país, ele tenta a vida vendendo um novo e promissor remédio, a aspirina.
A película cativa desde o primeiro instante, quando mostra as belas imagens, que mais parecem estar em sépia. Uma fotografia impecável. Além disso, o filme incita o público a procurar o porque do título, tão peculiar.
O personagem principal representa o progresso ao mesmo tempo em que este progresso significa a cura dos males e a guerra.
Outro aspecto bastante singular no primeiro longa-metragem de Marcelo Gomes (diretor e co-roteirista), que às vezes até incomoda um pouco, são os cortes. A princípio parece que houve erro de corte, de continuidade. Mas com o passar do filme, identifica-se a real intensão do diretor: enfatizar e exaltar os diálogos. As conversas, por vezes banais, têm um significado bastante importante no que diz respeito ao encontro das duas culturas – a brasileira e a alemã – num ambiente tão árido, seco e hostil. É por meio delas que se conhece cada personagem.
O aparelho de rádio é uma pontuação muito interessante, pois marca o desenvolver da história. É através dele que o alemão houve as notícias do mundo e assim resolve seu destino. É novamente o progresso e a tecnologia levando e glória e desastre para a vida do personagem.
O filme, que concorre ao Festival de Cannes, é peculiar, despretensioso e extremamente fiel e agradável aos olhos e aos ouvidos.

(Cinema, Aspirina e Urubus, Brasil, 2005, Marcelo Gomes)

Alexander

2006-02-10T13:16:00.002-02:00

O longa metragem “Alexandre” não é apenas grande porque a figura do homem é cheia de mitos e conquistas, nem tampouco porque sua produção é estrondosa, mas porque a linguagem cinematográfica inserida ali é uma aula completa, desde a pré-produção à edição de imagens.
As imagens criadas por Oliver Stone, diretor da película, são que uma magnitude incomparáveis, nem Titanic foi tão inteligente. As batalhas, as sutilezas, os pontos chave...
E os pontos chave da trama são muito bem escolhidos, baseiam-se na relação incestuosa da mãe, Olímpia, com o filho, Alexandre. Já na primeira cena em que os dois aparecem propriamente dito (digo propriamente dito, porque a primeira cena do filme é a mãe chorando pela morte do filho), ela já é marcada pela figura da cobra, representando a mãe. Olímpia diz: “Confia naqueles que te dão amor. A vida apenas começou, meu filho. A pele dela é como água, a língua é como fogo. Ela é sua amiga. Pegue-a. Se você hesitar ela o atacará.”. Esta fala encerra o poder da mãe sobre o filho, a dominação.
Esta dominação é pontuada no filme inteiro, demonstrando o poder e a influência da mãe sobre o filho. Dominação que só é quebrada quando Alexandre está em batalha, momento em que ele é dono de suas próprias decisões, ele está no comando de sua vida e de seu reino. Estas são as cenas em que a águia aparece, outro elemento simbólico, que pontua a superioridade de Alexandre. Tendo em vista que o único temor da cobra, na natureza, é a águia, podemos perceber que, por maior controle que Olímpia tenha sobre Alexandre, ela o teme. Teme perdê-lo, teme ser abandonada por ele, teme sua grandiosidade.
Desde o princípio do filme, podemos ver com clareza esta dependência e sentimento de posse de Olímpia, brilhantemente interpretada por Angelina Jolie. Uma das primeiras cenas, em que se evidencia a relação de Olímpia com o marido Felipe, ela diz a Felipe: “Você nunca o terá”, referindo-se a Alexandre. E esta “profecia” se concretiza quando Felipe renega Alexandre publicamente e pouco depois é assassinado, não se sabe se por Olímpia ou não.
O longa ainda traz cenas surpreendentes de batalhas. A última delas a mais interessante, porém, é a que Alexandre é atingido. Neste momento, a tela adquire tonalidade avermelhada, cor símbolo da guerra para os orientais. A cena, em slow motion, é de uma beleza e emoção que consegue envolver o público de forma jamais vista. Uma cena que incomoda, mas que não deixa que se tire os olhos dela.
Interessante, brilhante e muito inteligente, além de belo e cinematograficamente correto, se é que podemos usar tal designação na sétima arte.

(Alexander, EUA, 2004, Oliver Stone)